現代及當代藝術香港拍賣預展
在抽象藝術的領域，真正的創意不僅體現在最終的構圖之中，也在私密的創作行為之中呈現。富藝斯香港2024年現代及當代藝術春季拍賣深入探討了如此複雜過程，突出藝術家應用媒材時留下的實體和情感印記。每件作品均是藝術家存在的證明，而每個筆觸和紋理更捕捉了藝術家的精髓。
每一標記和每一筆觸承載著藝術家內心的思想與情感，邀請觀者參與深刻的共同體驗。
草間彌生
草間彌生，《無限網（ZGHEB）》，2007年作
估價：20,000,000 – 30,000,000港元 / 2,560,000 – 3,850,000美元
現代及當代藝術晚間拍賣，5月31日
「我會用網子覆蓋畫布，畫著畫著，接下來就會從桌子延伸到地板，最後一路到自己身上。在這個不斷重複的過程中，這面網不知不覺間延伸至無限，從手到腳、到身上所穿的衣服，乃至房間裡的一切，都被它所覆蓋。」—— 草間彌生
草間彌生 1929 年出生於日本，是 20 和 21 世紀最受國際讚譽的日本藝術家之一，她以近乎執迷地以網格和圓點等圖案來創作而聞名。網紋是草間彌生自1958年以來常見於其創作的圖案，而這個視覺特色始於草間彌生長期與精神疾病的鬥爭，尤其是被幻覺纏身以至讓她的精神頻臨崩潰。
草間彌生的強烈心理掙扎反映在她對藝術的實體奉獻之上。令人著迷的網畫背後蘊藏著藝術家全情投入艱苦創作過程的身體力量。在她創作的每一幅網畫中，草間彌生都會投入長時間的極度專注，在畫布上重複繪製密密麻麻的標記，直到標記完全佔據數米長的巨型畫布。整個過程瀰漫著不安的、近乎機械的能量。
拍品展現了草間彌生的演變，融入了色調漸層和空間感。每一漩渦反覆交疊接替，讓張力從內生成，令人沉思。網紋成為管道，致使藝術家建構個人「萬有理論」，以擁抱存在的廣闊性和相互關聯性。一絲不苟的細節與創作過程的有機本質發揮相互作用，邀請觀者作更深層的內省和了解。
草間彌生的《無限網》是在藝術市場上最受歡迎的系列之一。2022年5月，在富藝斯紐約晚間拍賣會上，創作於1959年的《無題》以1050萬美元的驚人價格成交，創下了女性藝術家作品的最高成交紀錄。
草間彌生，《南瓜》，1982年作
估價：3,200,000 – 4,200,000港元 / 410,000 – 538,000美元
現代及當代藝術日間拍賣，6 月1 日
當前作品創作於1982年，屬於圓點南瓜系列的早期作品。拍品以強烈的紅白色調呈現，與黑色背景和白色網狀空間形成鮮明對比。作為她的另一個標誌性主題，網紋既象徵著異想天開的破壞者，又像徵著宇宙的統一者，反映了她將自己融入宇宙的願景。
「我在寫作和藝術作品中不斷重複著相同的模式或圖像，這是疾病產生的行為。彷彿夢境和幻覺成真一般。我將得到的病轉化為畫布上不斷重複的圖形，這對我來說是無法取代的事情。」 —— 草間彌生
當前作品畫面中每個部分對藝術家而言皆有深刻意義，植根於她在二戰期間於日本農村長大的童年經歷，當時她和祖父一起散步時第一次遇到南瓜。對於草間彌生來說，南瓜喚起了珍貴的童年記憶，也是她最喜愛的主題之一，幾乎具有神話般的意義。她從小就開始經歷心理創傷幻覺，而這些與南瓜的早期接觸為她舒緩不少精神壓力。
趙無極
趙無極，《30.09.97》，1997年作
估價：6,000,000 – 10,000,000港元 / 769,000 – 1,280,000美元
現代及當代藝術晚間拍賣，5月31日
趙無極在1920年生於北京，他的藝術深深植根於東方精神的抒情抽象主義。「無極」一詞源於道家觀念，也是呈現宇宙無限和藝術家無窮盡地上下求索的典範。他對東西方藝術的融合不僅是出於風格上的考慮，而是自身充滿動盪與文化遷徙的生活歷程的自然結果。
《30.09.97》融合了藍、黃、白、綠等色調，喚起了彷如大海與蒼天一般的無限深邃風光。畫布上的色彩體現了交融與離散的動態，旨在捕捉生命的無窮變化。畫面頂部與中心分別有一縷玫瑰色調，增添了一種神秘感，邀請觀眾進一步探索及發現畫布中的微妙細節。趙無極的《30.09.97》超越了一幅畫所能及，邀請觀眾穿越情感和想象，展開一次朝聖，更是一扇通向我們自身存在深處的窗口。
拍品創作於1997年，也是趙無極五十多年來所累積的見解、技巧和生活經驗的結晶。1980年代和 1990年代標誌著藝術家在歐洲、美國和亞洲獲得國際認可，而該段時期的後期作品保留了1960年代作品的張力，同時提升了空間的表現力。1980年代和1990年代的中國之行為他的作品提供了全新靈感來源，在畫布上實現了更豐富的內心世界，擁抱負空間，擺脫了早期作品的交織線條和符號，捕捉了抽象繪畫的真正本質。
趙無極，《25.11.81》，1981年作
估價：7,000,000 – 10,000,000港元 / 897,000 – 1,280,000美元
現代及當代藝術日間拍賣，6 月1 日
《25.11.81》是首次亮相拍賣市場的作品，於1981年創作。1981年標誌了趙無極藝術事業中的一個重要年份：此時，他已在巴黎三十多年，可見其成熟筆觸的精緻與自信。同年，法國大皇宮國家畫廊還為趙無極舉辦了他的首個大型回顧展，也是一項偉大的成就，凸顯了他如何真正達到國際認可的高度。
這件作品有著美麗而複雜的水平細節，貫穿整個畫面；畫中的深色筆觸既類似於書法，又讓人想起自然世界的形態。從左到右掃視畫布，一片廣闊的青山綠水浮現眼前。趙無極在《25.11.81》中巧妙地運用線性透視，在二維表面製造了關於深度的錯覺。蘊含秋意的墨綠與乳白色的粗獷筆觸交織，而底端的赭紅色與芥末黃微妙地若隱若現。這件作品體現了趙無極對抽象構圖挑戰的探索，而掌握如此細節需要對東西方藝術情感有深刻的理解，而趙無極是最早彌合這種連結的人之一。
趙無極的作品被全球200個國家的超過150多個公共收藏機構所收藏，其中包括紐約現代美術館、古根海姆美術館和泰特現代美術館等。
格哈特·里希特
格哈特·里希特，《抽象畫（947-5）》，2016年作
估價：26,000,000 – 36,000,000港元 / 3,330,000 – 4,620,000美元
現代及當代藝術晚間拍賣，5月31日
「使用畫筆時你是擁有掌控的。顏料從畫筆中流出，你畫下標記。你可以根據經驗確切地知道接下來將會發生什麼。使用刮板時你就失去了掌控。」—— 格哈特·里希特
格哈特·里希特是一位極具影響力的當代藝術巨擘，1932年出生於德累斯頓，成長於政治和文化劇烈變革的時期。他的《抽象畫》系列引起許多著名收藏家的興趣。
里希特是機會與控制大師，採用各種技術：刮刀、糊化、分層等，以創作複雜畫面。藝術家刮擦、厚塗和塗抹畫布來顯露底層，而這種細緻而即興的技巧延伸出意圖與恬靜的微妙糅合，其中每個元素渾然天成，引人注目。
《抽象畫（947-5）》代表著里希特輝煌職業生涯中的一個重要階段，作品代表著藝術家決定回歸抽象畫。在2000年末和2010年初嘗試數位和漆藝技術後，藝術家重拾刮刀後，利用活力充沛的明亮色調到更加柔和且大方的色調，在構圖中產生高度張力卻又和諧。拍品所見的豐富紋理值得仔細觀察，其中半透明和不透明層相互作用帶來深度和吸引力。《抽象畫（947-5）》證明了藝術家成熟和細緻的技法，實屬非凡作品，既突破了抽象的界線，也邀請觀眾深思和反省。他不斷探索色彩與形式、抽象與表現之間的關係，至今仍是藝術史上的典範。
朴栖甫
朴栖甫，《描法第67-78-79號》，1979年作
估價：3,500,000 – 5,500,000港元 / 449,000 – 705,000美元
現代及當代藝術晚間拍賣，5月31日
「這些年來我所領悟的是，為了吸收所需的元素和讓自己更完整，我必須將自己清空。而要清空自己，我必須做出重複性的行動。」—— 朴栖甫
南韓藝術家朴栖甫是單色畫運動的核心人物，以1960年代初創作的《描法》系列聞名於世。這個系列反映了冥想精神之旅，而不斷重複畫線條的藝術表達形式就像呼吸一樣。藝術家的作品融合單色畫的觸覺品質，以及與自然和諧相處的韓國哲學，創造了一種永恆的視覺語言。
作品標題「描法（Écriture）」在法語中意為「書寫」，朴栖甫將繪畫行為與書法互相結合。如此實踐植根於東亞傳統，朴栖甫用鉛筆在畫布上創作類似書法筆觸的細線。這種重複的過程並非只為美學，而是朴栖甫的哲學轉向：試圖解構自我，接受無目的性。
《描法67-78-79》是《描法》系列的卓越典範，既是擦除也是創造，不僅呼應了書法的嚴謹，也致力於捕捉存在的本質。拍品於1991 年在首爾國立現代美術館舉辦的《朴栖甫回顧展》展出，並擁有豐富展覽歷史；完美捕捉藝術家的哲學之旅和藝術演變。
朴栖甫，《描法第110507號》，2011年作
估價：1,800,000 – 2,800,000港元 / 231,000 – 359,000美元
現代及當代藝術日間拍賣，6 月1 日
《描法110507號》充滿視覺吸引力，來自朴栖甫最享負盛名的系列；以熾熱的紅色呈現，靈感來自日本秋葉。如此顏色選擇立即與同系列中的其他作品區分開來，並邀請觀衆踏上一趟心靈之旅，反映了藝術家冥想式創作過程。
「在我的畫作中，過程比結果更為重要。」—— 朴栖甫
拍品創作於2011年，來自朴栖甫《描法》系列的後期作品，而當時藝術家開始通過使用韓紙。韓紙帶來更豐富的質感，令重複標記散發著活力動感。藝術家將韓紙小心翼翼地塑造成長條狀的皺紋，而這些標記直接反映了朴於繪畫時的動作，並進而誘發出正負空間中的治癒平衡。以上過程成就了沿著整個畫布支撐的線性脊線，為原本的二維作品增添了美麗的三維效果。
朴栖甫的作品獲得全球各大機構收藏，包括古根漢美術館、紐約現代美術館等。他在白立方畫廊和香港巴塞爾藝術展的個展，突出其藝術之旅的持久相關性和深遠影響。
露西·布爾
露西·布爾，《下顎拍擊》，2019年作
估價：2,800,000 – 3,500,000港元 / 359,000 – 449,000美元
現代及當代藝術晚間拍賣，5月31日
「我的作品更多關乎精神能量而遠勝其它。我讓自己完全沈浸在繪畫過程中，慢慢進入一種神遊狀態並迷失其中。」—— 露西·布爾
露西·布爾的實踐邀請觀眾進入顏色和形式的感性體驗，結合抽象的調色，誘發更多感官甚於理性的反應。她的2019年作品《下顎拍擊》正是一幅矚目典範，她將畫布轉化爲飽含視覺刺激的迷人場域，其觸發的感官效果使人目眩神馳。
當前拍品即刻將觀眾帶入鬱鬱蔥蔥的荒野深處，猶如一曲富含動感與強度的交響樂。華美的綠色、泛著螢光的黃色、精湛的紅木色筆觸與誘人的孔雀藍互相交織，而這些顏色似乎處於持續變化之中，就像萬花筒圖案。《下顎拍擊》的每一筆觸均是精湛鋪排，就像那迷人的荒野般，喚起觀眾內心深處的原始共鳴。
布爾的藝術讓人想起抒情抽象，優先考慮情感強度而甚於形象的準確性，例如海倫·弗蘭肯塔勒和瓊·米切爾的作品。她的手勢筆觸和豐富視野編織了鮮豔色彩，亦讓人想起喚起了精神上的解放。
勞倫·奎恩
勞倫·奎恩，《第二水星之升》，2020年作
估價：450,000 – 550,000港元 / 57,700 – 70,500美元
現代及當代藝術晚間拍賣，5月31日
勞倫·奎恩的《第二水星之升》便會被其精湛的構圖和無數的複雜色彩刺激，留下驚人的影響；明亮的Day-Glo 管在她銳利的黑色鉛筆草圖中交織在一起，喚起了抽象印象派的自由和能量。畫中色彩及多層次對稱形狀掀起動感，散發著如夢似幻的有機氣氛，猶如醒著的超現實夢境。
儘管奎恩非常迅速的在藝術界崛起，她無非是透過大量的學習和練習以取得經驗。她在緬因州一次藝術家駐留期間開始夢想自己的獨特風格，其中黑夜的木林啟發屬於個人標誌性意象的靈感。奎恩深受費爾南·雷捷的管狀形狀所影響，在作品中加入人體內部錯綜複雜的管道，以及潛意識的超現實本質。
在奎恩多層法的繪畫中，管子總是構成畫作的底層，由較小的相交線逐漸擴張變大，並且反覆利用來自她個人檔案中的各種視覺材料。先是線條，然後用刀或勺子雕刻，最後將印刷品壓在畫布上，讓觀眾更有臨場感和參與感。大尺寸的《第二水星之升》，也讓觀眾欣賞作品中複雜的細節和紋理，以及與多層敘述互動。
勞倫·奎恩作品曾於世界各地多處展出，並被公共機構納入典藏。
安迪·沃荷
安迪·沃荷，《美元符號》，1981年作
估價：2,800,000 – 3,800,000港元 / 359,000 – 487,000美元
現代及當代藝術日間拍賣，6 月1 日
「我喜歡把錢掛到牆上。譬如說你打算去買...一幅畫。我覺得你應該拿著那些錢，把它綑成一綑，掛到牆上去。」——安迪·沃荷
創作於安迪·沃荷職業生涯巔峰時期的《美元符號》是其標誌性系列作品之一，通過「$」符號探索沃荷對商品文化的終身迷戀，體現了藝術與財富之間密不可分的關係。沃荷在創作中重複使用這個美元標誌，挑釁對高雅與低俗藝術的二分法。
美元符號是沃荷最有力的重要圖像之一，直接呼應了其1962年《坎貝爾湯》系列，均為可接受的藝術形式大膽作出了重新闡釋。沃荷透過《美元符號》毫不掩飾地表示：「一流的藝術是一流的金錢」，並以他直言不諱地將金錢的象徵描繪成藝術的象徵。
相反，由於其鮮豔色彩和奢華的設計繪製，《美元符號》在結構上同時具有非凡的藝術性。類似於沃荷最偉大的作品，拍品同時剝離和美化主體，使其既平凡又迷人。
田中敦子
田中敦子，《88D》，1988年作
估價：1,400,000 – 2,400,000港元 / 179,000 – 308,000美元
現代及當代藝術日間拍賣，6 月1 日
「田中敦子的畫作在觀者的精神層面上有著深遠的影響，暗示我們固定的『自我』邊界在實際上是可以改變的，並可以與世界建立一種全新的關係。」—— 加藤瑞穗
田中敦子是具體派的核心人物。「具體派」正式名稱為「具體藝術學會」，成立於1954年，是日本戰後首個前衛藝術群體，致力追求創新和實驗性的創作方式。1956年第二屆具體美術展期間，田中敦子親自穿戴作品《電器服》上場，在迷人的舞蹈下劇烈旋轉，閃爍的霓虹燈畫出線條和形狀。作品在重量、熱度和亮度的衝擊下，大膽挑戰自身與物質關係中既定的概念，主體之間存在的一種不安、不穩定狀態促使田中思考。
田中在加入具體派後對繪畫的探索將短暫的、不具實體的《電器服》表演轉化為有形的創作。雖然拍品《88D》只是平面的油彩畫布作品，它卻體現了類似的張力，以黑色、藍色、橙色和黃色交織，充滿了戲劇性的鮮豔色彩。每一次下筆，田中都將自己完全沉浸在廣闊的畫布中，不僅留下了她與媒介接觸的物理痕跡，更是丈量她自身在時間與空間存在的標記。
安娜·帕克
安娜·帕克，《無題》，2021年作
估價：1,200,000 – 2,200,000港元 / 154,000 – 282,000美元
現代及當代藝術日間拍賣，6 月1 日
「現在的我試圖根據記憶中的人或地方，藉著這種扭曲的感覺著手創作，而不是對現實的描述。我認為我們的記憶在本質上是支離破碎的、混亂的。」——安娜·帕克
帕克的作品捕捉了記憶片段化、混亂的本質，創造出意想不到的、時而令人不安的作品。從《無題》可見，這裡有著一張戴著眼鏡狡猾的笑臉；那裡有靦腆的側眼；某處又露出一排牙齒。整體的效果與幻覺並無二致，搖晃不定令人眼花撩亂，猶如一幅當代生活的快照。
安娜·帕克常以單一色調作畫，炭筆和石墨創作模糊遐想與記憶之間的分界，透過一系列有節奏的線條、形狀和色調，遊走在具象與抽象間。
儘管年紀輕輕，帕克在藝術界嶄露頭角，其成熟之作獲得肯定並被著名的布萊恩．唐納利（KAWS）所收藏，同時也被休士頓美術館等公共機構納入館藏。
現代及當代藝術晚間拍賣，5月31日 7pm HKT
現代及當代藝術日間拍賣, 6 月1 日 2pm HKT
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