《澳洲網球公開賽二》是喬納斯·伍德的標誌性、亦受世人認同的網球場油畫系列之傑出範例，藝術家藉以探討抽象和具象之間的心理交相作用。伍德利用平淡無奇圖像重新定義美，作品所呈現的獨特空間既個人化，同時也是普遍世人熟悉的場景。層疊的平面色塊從海軍藍漸變為幽幽的黑色，藝術家於畫布上鋪展了其抽象結構，橫向的色塊逐漸展開，透露平面之中的厚重；白色細線勾勒出網球場的邊界。最後，一幅具體空間出現了，周圍可見企業品牌標誌，有條不紊的交叉平行線組織成一張球網。這幅畫的尺幅龐大，在市場上非常罕見，伍德重新想像這項國際體育運動的知名賽場，這個場景曾以無數角度出現在世界各地觀眾面前，但畫家隨意抽取其中一部分，抽離任何人物動作，只集中表現一段抽象化、公開的個人經歷。

伍德一直以國際網球四大滿貫賽事為主題：法國網球公開賽、溫布頓網球錦標賽、美國網球公開賽、澳洲網球公開賽，成為他最具代表性的作品系列。伍德在這幅作品中以一片海藍色表示所在地：自2007年墨爾本公園賽場翻新以來，這就是澳網公開賽場地的標誌性顏色。伍德的重點並不在比賽本身，空蕩蕩的賽場令人想起邈無人跡的當代藝術風景畫，與大衛·霍克尼的1967年名作《水花四濺》一脈相承。偏移的視角突出場館的十字交叉線，畫面因飽滿的色塊而顯得充實。藝術家設想：「我並非以空間呈現形態。我的網球場作品是出於對抽象的興趣，還有就是賽場如何成為一幅幾何拼圖」（喬納斯·伍德與珍妮弗·薩默對話，< 啤酒和一位藝術家 ，加州版本：喬納斯·伍德 >，《Hyperallergic》，2015年9月12日，網上資料）。

這幅作品構圖嚴謹，挑戰觀眾對空間深度的感知，從中可見伍德對前輩藝術家的深刻致敬：保羅·塞尚對平面空間的解構；在畢加索和喬治·布拉克的立體主義下形狀的割裂支離。他將現代繪畫的視覺表現技巧稍作改動，反映後現代的現實；觀眾面對一片平坦乏味的畫面，以及由電子科技填塞過剩的視覺文化。其他引申內涵包括安迪·沃荷的消費品牌崇拜、尚·米歇爾·巴斯基亞的企業標誌圖案改造，伍德藉此將抽象、具象、攝影和電視影像濃縮在一幅圖像作品中。這個沒有球員、裁判或觀眾的超現實網球場成為一場幾何學的遊樂場，沉醉在不對稱裡；球賽中動態的來回能量，在此以形狀和色彩的形態出現。

伍德在專注藝術創作之前，本科修讀過心理學，他將各種藝術美學和個人記憶交織，使他所描繪的平凡場景在當代繪畫史上佔得一席位。伍德在早年憑著親身感覺和記憶，繪畫朋友家人和室內場景的影像，卻因此而聲名狼藉。他指出：「在各種各樣可以入畫的事物當中，我感興趣的是那些讓我可以近距離接觸，然後忠實地描繪的東西。」（喬納斯·伍德與安娜·維耶索韋·沙普對話，載於Dan Nadel編，《喬納斯·伍德：室內》，洛杉磯，2012年，第56頁）。運動主題作品是伍德在藝術事業上的重要轉折，與其他媒介如攝影或電視所傳遞的視覺體驗和記憶息息相關。伍德的第一批運動主題作品以他童年時收集的運動員肖像卡為藍本。《澳洲網球公開賽二》裡的藍色球場對於某些人來說非常熟悉，對另一些人來說卻是超現實，這種平面視覺效果令人想到電視機影像所帶來的空間體驗。儘管這幅作品展現的場景在現實裡隨處可見，但畫家精心營造的傾斜構圖卻高度個人化，而且充滿抽象氣息。