「是光成就了我的作品，就好像我在平衡光與影。」—— 盧卡斯·阿魯達

來自巴西聖保羅的盧卡斯·阿魯達以其色彩細膩、介於風景畫和半抽象之間的繪畫而享譽國際。本件作品《無题》尺幅近人、描繪精細，是出自阿魯達著名的《沙漠-模型》系列的一件絕佳典範之作，而這一系列的標題靈感源自巴西詩人梅格·内託的著作。

盧卡斯·阿魯達在工作室牆上於畫布周圍直接調色，2017年

阿魯達在畫作周圍的牆面上直接調色，用一系列冷色調創造出一幅光與影完美平衡的場景。在這一場景中，赭色的海浪與看似遙不可及的海平線盡頭翻滾的雲層融為一體。儘管這讓人不禁聯想起浪漫主義時期的風景畫，但阿魯達並非想要在作品中對自然風景進行寫實的描繪。反之，他是從自己內心的風景之中喚起一種詭異的氛圍，召喚著觀者「彷彿透過進入另一世界的入口那樣去窺探」ⁱ，使他們置身自己記憶和想像的世界之中。

光影之舞

「我的作品在技巧上受到一些風景畫的啟發，譬如色彩的使用和筆觸上，或康斯塔伯的雲，他的雲在變換之中登峰造極。但這些畫家都是在觀察大自然。」—— 盧卡斯·阿魯達
- 克勞德·莫內，《埃特勒塔海景》，1882年作
  費城藝術博物館收藏
- J.M.W. 特納，《海景》，1828年作
  英國泰特美術館收藏
- 詹姆斯·阿博特·麦克尼尔·惠斯勒，《夜曲：藍色和銀色 - 克里蒙之光》，1872年作
  倫敦泰特現代美術館收藏
- 克勞德·莫內，《埃特勒塔海景》，1882年作
  費城藝術博物館收藏
- J.M.W. 特納，《海景》，1828年作
  英國泰特美術館收藏
籠罩在一片朦朧的雲霧之中，本件作品中的天空和大海融為一體，顯得無限廣闊，給人一種如J.M.W. 特納和詹姆斯·阿博特·麦克尼尔·惠斯勒等藝術家畫作中所傳遞的自然之宏偉壯麗，而人們亦常常將阿魯達的作品與這些藝術家的來作比較。同時，《無題》(出自《沙漠-模型》系列) 光亮的表面也讓人聯想起印象派大師克勞德·莫內和約翰·康斯塔伯所使用的技巧，尤其是他們對光、影和色彩如何傳遞一天之中時間流逝的理解。此次拍品中，從厚重的淡米色霧氣後探出的絲絲藍色完美展現了這一點，暗示著雲層之中撕開一道裂縫，不久之後縷縷陽光將再次照耀海面。

約翰·康斯塔伯，《雲的研習》，1822年作
倫敦泰特美術館收藏

與偏愛戶外繪畫的莫內和康斯塔伯不同的是，阿魯達的繪畫並非從任何一個特定視角出發。反之，他喜愛想像的力量，並將壯觀的海平線視為激發情感和思考的源泉。正如藝術家所指出的：「在某種程度上，我的作品被稱為風景畫的唯一理由是出自文化層面的：這僅僅是因為觀者不由自主地會將我創作的形式視為風景畫，僅管沒有任何圖像有其真實地理位置可尋。它只是一個風景的概念，而非一個真實的地方。」ⁱⁱ

另一位通過描繪海景來對內心展開探究的藝術家是喬治亞·歐姬芙，她1922-1928年的《約克海灘》系列正展現了這一點。創作於藝術家的情感動盪時期，這一系列體現了她在心碎之後面對自己內心的苦痛。阿魯達和歐姬芙均通過探索人與自然之間的平衡來審視人們對於感知的理解；但歐姬芙的畫作清晰地展現了海天之間的分隔，而阿魯達的作品讓人迷醉的是，前景和距離的概念幾乎不復存在。

喬治亞·歐姬芙，《海浪、夜》，1928年作
馬薩諸塞州菲利普斯學院艾迪生美國藝術館收藏
© 2021 Georgia O'Keeffe Museum / ARS, NY

肌理創造的氛圍效果

「用更緊湊的尺幅來容納像大海那樣廣闊無垠之物，其力量更為強大。這會增強和集中它的輻射微波，以及其環繞的頻率。」—— 盧卡斯·阿魯達

馬克·羅斯科，《藍與灰》，1962年作
瑞士貝耶勒基金會博物館收藏
© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York

儘管阿魯達以古典主義風景畫中，以海平線來分割畫面的結構進行繪畫，但是他與前人甚是不同。阿魯達在每幅畫作中都專注於繪畫的過程本身，試圖去揭示「一種感知，一種縈繞於繪畫這一媒介的精神狀態......這是無法用語言去捕捉的，因為沒有足夠的視覺元素去對它進行描述」 [ii]。阿魯達認為自己的創作方式具有冥想的特質，類似馬克·羅斯科的大幅畫作所喚起的深思狀態，而後者同樣在細膩微妙的色調之中散發著空靈超凡的崇高之光。

格哈特‧里希特，《海景》，1968年作
© 2021 Gerhard Richter

進一步對這一觀點做出完美補充的是格哈特‧里希特的作品。里希特的創作在很大程度上同樣旨在衝破自己所選媒介的限制，但里希特的海景系列是以照片為參考的形式作畫，而《無題》等作品的源頭則是阿魯達自己內心的遐思，且他畫作的表面完全是扁平的。在創作需要高度集中精神的小尺幅作品時，他首先在白色背景中塗上一層層厚厚的顏料，將色彩堆積之後再將它們刮去，由此將光從黑暗之中釋放而出。

因此，或許聯繫里希特的《抽象畫》系列來理解此次拍品則更為貼切，因為這兩位藝術家都通過層層堆疊的顏料構架起一種近乎雕塑一般的肌理感；而色彩從顏料深處投射而出，讓人目不暇接。然而，阿魯達的繪畫方式與里希特又截然不同。里希特的技巧極大程度上依賴於偶然性，而阿魯達則對作品精心設計、仔細刻畫，因為他每一處美學上的決定都是「精確計畫好的，包括尺幅、顏料的選擇和畫布的形狀。ⁱⁱ
- 格哈特‧里希特，《抽象畫940-7號》，2015年作
  2021年6月8日於富藝斯香港和保利拍賣聯合舉辦的拍賣中售出，成交價：95,100,000港元
  © 2021 Gerhard Richter
- 格哈特‧里希特，《抽象畫867-1號》，2000年作
  © 2021 Gerhard Richter
- 格哈特‧里希特，《抽象畫940-7號》，2015年作
  2021年6月8日於富藝斯香港和保利拍賣聯合舉辦的拍賣中售出，成交價：95,100,000港元
  © 2021 Gerhard Richter
- 格哈特‧里希特，《抽象畫867-1號》，2000年作
  © 2021 Gerhard Richter
藏家之選

作為卓納畫廊代理的最年輕藝術家之一，阿魯達在卓納畫廊倫敦空間舉辦的首場個展使他在國際藝壇上聲名鵲起。此後他舉辦了許多個展，包括在卓納畫廊，紐約（2019年）和池社，上海（2020年11月至2021年1月），後者舉辦了阿魯達在中國的首次個展。

2020年底，富藝斯香港和保利拍賣聯合舉辦的拍賣在亞洲拍賣市場首次推出了阿魯達的作品，《無題》一作遠遠超過了拍賣前1,500,000 – 2,500,000港元的預估價格，創下了3,780,000港元的佳績，同時也是藝術家作品的拍賣世界紀錄。近期，在2021年10月，富藝斯倫敦又以352,800英鎊的成交價創下了其作品拍賣第二高價，超過了此前在2021年6月富藝斯香港和保利拍賣的聯合拍賣中為藝術家創下的第二高價。

阿魯達的作品獲得了全球許多著名機構的收藏，其中包括紐約的所羅門·R·古根漢美術館、洛杉磯的J·保羅·蓋蒂博物館、巴西聖保羅州立美術館，以及巴塞爾的瑞士貝耶勒基金會博物館。
- 拍賣第三高價：
  盧卡斯·阿魯達，《無題》（出自《沙漠-模型》系列），2012年作2021年6月8日於富藝斯香港和保利拍賣聯合舉辦的拍賣中售出，成交價：3,213,000港元
  © Lucas Arruda
- 拍賣第一高價：
  
  盧卡斯·阿魯達，《無題》，2013年作2020年12月3日於富藝斯香港和保利拍賣聯合舉辦的拍賣中售出，成交價： 3,780,000港元
  © Lucas Arruda
- 拍賣第二高價：
  盧卡斯·阿魯達，《無題》，2013年作2021年10月15日由富藝斯倫敦售出，成交價： 352,800英鎊
  © Lucas Arruda
- 拍賣第三高價：
  盧卡斯·阿魯達，《無題》（出自《沙漠-模型》系列），2012年作2021年6月8日於富藝斯香港和保利拍賣聯合舉辦的拍賣中售出，成交價：3,213,000港元
  © Lucas Arruda
- 拍賣第一高價：
  
  盧卡斯·阿魯達，《無題》，2013年作2020年12月3日於富藝斯香港和保利拍賣聯合舉辦的拍賣中售出，成交價： 3,780,000港元
  © Lucas Arruda
ⁱ 露西·里斯，〈盧卡斯·阿魯達於卓納畫廊展出其夢幻風景〉，〈Galerie〉雜誌，2019年10月10日，載自網絡

ⁱⁱ盧卡斯·阿魯達，引述於Angeria Rigamonti di Cutò，〈我的作品被稱為風景畫的唯一理由出自文化層面〉，〈Studio International〉，2017年9月19日，載自網絡
- 來源
  倫敦，Herald St 畫廊
  現藏者購自上述來源
- 過往展覽
  倫敦，Herald St 畫廊，〈我會成為你的鏡子〉，2013年9月7日-10月6日
- 藝術家簡介
  盧卡斯·阿魯達
  Lucas Arruda is a Brazilian contemporary artist who lives and works in São Paolo. Arruda paints diffusive land- and seascapes characterized by faint horizon lines, intense internal light, and a placid expression of the sublime. His paintings recreate the unrelenting violence of nature, blending wisps of clouds and the foam of the sea into the indistinguishable whole of the storm. His works are meditations on memory and loss, created by paradoxically using abstraction as a means to achieve illusory figuration.
  
  Arruda’s paintings are marked both by an all-encompassing elusiveness and an immersive turbulence of form. Primarily working on an intimate scale, Arruda co-opts the onerous expressiveness of abstract painting to create scenes of the intense power and beauty of nature. Arruda’s formal experimentations with the temperament of light and the capabilities of tonality align his work with that of James Abbott Whistler and J.M.W. Turner as much as with that of Mark Rothko and Clyfford Still.
  
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