克里斯托弗・伍爾是當代藝術中最受推崇的藝術家之一，其畫作以使用模板噴字或是大量重複圖案為特色，確立了他在現代藝術中標誌性的風格。《無題》創作於1989年，時逢伍爾因在繪畫原則與理論上獨到的拆解和重構，而在國際藝壇上聲名大噪的時期。此時，他已在紐約及海外舉辦過個展，《無題》這件作品正創作於他在羅馬的美國學院進行藝術家駐村的那段時光。近年來，伍爾也受邀展出於國際各大重要美術機構，包括2014年紐約古根漢美術館的回顧展，展覽隨後也巡迴到了他的故鄉芝加哥，於芝加哥美術學院展出。

成長於芝加哥，伍爾在1970年早期遷居至紐約，在當地感受到活躍的前衛藝術創作氣息。當他還在學校的期間，遇到的老師多受到抽象表現主義影響，他本身對於這個藝術風格表示尊重，卻仍然感到排拒。如同他早期所欽慕的同輩藝術家傑夫・昆斯及理查德・普林斯，伍爾多年來試著探尋屬於自己藝術表達方式；而對他來說，終於在他回歸到繪畫時找到了答案，進而創作出能精妙剖析並探索繪畫這個媒材本身限制的作品。《無題》此作便提供了最佳佐證，花草的圖案佈滿了整件作品，無窮無盡地重複著葉子和樹枝的圖像，圖案本身具象的根源被重複到近乎荒謬的程度。然而，它卻也被轉化成了一個整體的模式，迫使觀者用這個全新角度去重新評估及審視。透過這種方式，在此的花草圖飾也呼應了伍爾著名的文字繪畫，文字在他的畫作中往往被分行而打斷，文字在畫中所被呈現的拆解，因而和本身所具備的意義產生了一種糾結。這在《無題》創作後的下一年的作品亦再次相互佐證，該畫作上面寫著「貓在袋子裡 袋子在河裡」，那件作品則為紐約現代美術館典藏。

在1980年代，紐約當時許多房東愛用刻有圖紋的滾筒刷來漆牆，製造出一種好像在室內鋪上壁紙般華麗的幻覺，伍爾深深為此所著迷，進而也發展出類似的技法，以橡皮章及滾筒刷創作出像是《無題》等系列作品，探究繪畫的整體本質。儘管是個反傳統的藝術家， 伍爾卻能在批判行動繪畫崇高理念的同時，創造出與美國戰後藝術前輩相似之視覺元素的繪畫，然而，又同時與紐約頹靡的龐克時期接軌。此外，伍爾也發現，在使用這個現成物主題時，「將理當是裝飾性的元素放在用嚴格形式的框架裡，便形成了一種有趣的衝撞。」(摘錄自伍爾，C・布林遜所著《找麻煩就是我的本業》，第35-51頁，C・布林遜編輯，《克里斯托弗・伍爾》展覽畫冊，紐約，2014年，第38頁)。

伍爾藝術生涯裡首件展出的作品是以層層的瓷漆畫在鋁片上，從那件作品開始，演進至今似乎也是一個極為自然的發展過程。當他在1986年展出那些作品時，也就是在創作《無題》三年之前，藝評家柯林・衛斯特貝克曾評論道，他早期作品中存在那種介於史詩感與家居感之間的衝突張力，就像是「傑克遜・波洛克與富美家品牌的流理檯跨界的組合」(Ｃ・衛斯特貝克，「克里斯托弗・伍爾」，Artforum，第25編，第1號， 1986年9月，第139頁)。衛斯特貝克又評：「他在此的意圖是想要跨越一種距離…在抽象表現主義與極簡主義之間。」《無題》所要呈現的也極為相近：當觀者凝視此作，立即被像蕾絲般纖細的圖案所縈繞，那圖案完全覆蓋著近乎一公尺高的紙張，而不斷重複的枝葉裡，也不難看出其中呼應著傑克遜・波洛克的繪畫技法。

儘管如此，伍爾仍大膽地抗拒了一切感官的暗示，執意讓觀眾意識到圖案是採用了模板的形式，是通過近乎機械式的重複技法所呈現的主題，徹底消弭了對於二十世紀繪畫來說，至關重要的筆勢或藝術家痕跡的重要性。以源自油漆工或裝潢師而非畫家的技法，伍爾將一個圖案不斷複製在整個表面上，通常只有墨水密度略有不同或施力稍稍不均微小的變化。他刻意削弱了繪畫視覺語言潛在的表現力，反而卻營造出一種謎般似的形象。但若仔細觀察，又仍能看得到藝術家想隱藏，卻又若有似無地洩露出的動作與動態，進而形成一種複雜而模稜兩可的假象和隱蔽。伍爾所呈現花草圖樣的形式，不是要讓它成為一道窗，而是讓它成為一道阻礙，這也讓人聯想起他同時期的一些畫作中出現的鐵欄杆，似乎也呼應了這概念。透過這種方式，藝術家確保他的作品維持一種有趣的不透明、持續又誘人的神秘色彩。正如同約翰・考德威爾所寫：「伍爾繪畫裡不存在絕對的定義。它們是統一的、刻意的、絕對的、高超的，但完全抗拒我們對於去尋找意義的那股自然衝動，它們似乎完全否定了意義。」(摘錄自約翰・考德威爾，C・布林遜所著《找麻煩就是我的本業》，第35-51頁，C・布林遜編輯，《克里斯托弗・伍爾》展覽畫冊，紐約，2014年，第35頁)。